HOMENAJE A SERGIO GONZÁLEZ. A veinte años de haber sido "asesinado por los abyectos".

collage de sergio gonzález
collage del autor

sergio gonzález en teatro

LUNA DE MARFIL

Por: Juan Diego Tamayo

“Los secretos embellecen”

S. G.

Sombra de luna: el cuervo

“Laura” uniéndose a la caricia

El cisne toca su cuerpo de vino

“Pájaro negro”

Tu noche sabía de la luz

Cenizas son al viento

Al viento tus pasos

Buscan una estrella

Que recortar.

Para Sergio González

1990

COMENTARIOS, DIARIOS Y ENTREVISTA

FRAGMENTOS DE DIARIO.

SERGIO GONZÁLEZ 1955-1990

1981.

-…Cuando pienso en escribir, hay que hacerlo como si fuera para mí, porque las cosas que comprendo claramente no tienen otra explicación; por ejemplo: lo que no es fuego, es ceniza.

- Uno nunca comienza, se queda siempre en el principio.

- “PÁJARO NEGRO”; COLLAGE con el “Entierro” de Caravaggio, astro del arte que me precedió en 1573 y el pájaro –bronce del amor, que vuela en la luz de la oscura noche; el pájaro es el halcón de uno.

- Pinté de nuevo la aparición que más ha persistido en mi arte, que es “EL CAMINO DEL ABAD”, con un cielo tremendo, expresando con la fuerza del color a la naturaleza y su sentido tan mítico, denso y sutil. Esta pintura que he hecho como cinco veces, es la representación de lo que llamo: La ausencia del artista, que es mi propia ausencia…

- Yo me eclipso; el sol se oculta mientras la gran nube que tengo delante de mis ojos se disuelve; así ha de ser.

- … La idea del amor y la atracción que por la belleza se ejerce entre los seres vivos y las cosas, y por supuesto el secreto que nunca deja de serlo, no se revela sino que se vive si uno se eleva al mundo superior de la poesía.

1982

- Los títulos de las obras siempre han precedido mi pintura. Literalmente no un proyecto pictórico; podría afirmar que la poesía hace una alta síntesis de todas mis impresiones. Ya sean estas visuales, auditivas y táctiles, en el momento de hacer la obra. Los títulos también tienen su propio rango en sí mismos, como he querido expresarlo en mi obra “EL DON RARO DE UNA HORA”.

Marzo 21, 1982

De la pintura que llamé “LA CASA MUSICAL”, que es un COLLAGE con los dos jóvenes bañistas en el agua de Seurat, una imagen del Palazzo Strozzi de Firenze, una escultura de Boucheron y una joya del “Art Déco”; surgió otra cosa bellisíma que llame “THE LAMIA”; es pintada completamente con óleo, aparecen nuevamente los bañistas en aquella atmósfera exquisita del agua y la piel; al fondo una montaña de la tierra etérica, tal como las he visto con un astro surgiendo y ocultándose, en el fondo negro y otro astro cruza levemente por el espacio; arriba, cortado horizontalmente , vuelve a repetirse el comienzo del agua y las rocas en primer plano y que continúan infinitamente. El nombre es por la poesía y música de “Génesis”, “The Lamia”… La sublimidad de la música llevada a un punto en que ella comienza a destilarse como el oro acrisolado. Esta pintura es parte capital de las ideas lentas que han ido desarrollándose sobre la Gran Obra en litografía que haré sobre: “The lamb lies down on Brodway”.

Marzo 23, 1982

Anoche tuve un extraño sueño, en el que estuve contemplando mucho rato una pintura llamada comúnmente: “LA NOCHE”, pintada por El Correggio en el siglo XVI; es algo extraordinario. En el cuadro veía incluido a Oscar, que me hablaba desde allí; encima de esta tela puse otras mías en recortes y pedazos más o menos regulares, parecían incandescentes sobre la pared, el cuadro de El Correggio empezó a adquirir una luz que irradiaba colores fantásticos.

- ¿Y el medio artístico? El medio es acuático. Yo vivo como un pez, una cotidianidad sin tropiezos, con las conversaciones agradables, la mirada inteligente al entorno, etc…

Agosto 23, 1982

- He pintado muchos pases mágicos. Estoy viendo un cuadro “mío” que se llama “NACIMIENTO DE LA NOCHE” y es redondo. Es una pintura hechizada. ¿He sido yo quien la hizo? Estoy sorprendido, había como un yo distinto en mí cuando pinté y concebí aquello. Me pregunto ahora que vivo ese cuadro… ¿qué quería mi espíritu en esos momentos? ¿Qué reclamos estoy haciendo al universo? Es una llama misteriosa e incendiaria la que me mueve… Los secretos embellecen.

- Me influyen con tanta agilidad las frases, las palabras que debo utilizar para expresarme que la escritura no da tiempo a nada; lo mismo la vivencia exacta y lo que pudiera decir de las cosas, luego, casi ya no me importa.

- Yo realmente espero que alguien, quizá Oscar, hable muy amorosamente de mi arte, porque yo nunca podré hacerlo. Mi dolor al fin de cuentas es inimitable, sólo una mirada podrá aproximarse, solo una nota musical con intensa felicidad.

- ¿Dónde se encuentran los grabados que hice sobre Venus y Marte? Y que luego pinte. Regale dos, son cinco y los otros tres ¿Dónde están?

25 Febrero, 1983

- “LA BODA”, fue hecho con otros, entre septiembre y diciembre de 1982. La imagen sacra de “LOS ESPOSOS ARNOLFINI” que ya me había movido, vuelve aquí para habitar el nuevo territorio. Arriba en el cielo negro aparece un pedazo de un COLLAGE de Anita Albus, es un hermoso seno femenino, con parte de cabellera rubia y vestido de blanco. A la derecha sobre el piso horizontalmente una figura masculina yace bocaabajo –pintura de Luis Caballero- y en el espacio, arriba sobre esta figurada una mirada de un rostro femenino… Con este y otra pintura participe en una exposición en el Museo de Arte Moderno de Medellín…

- Ahora si debo tratar de poner orden político a la vida práctica…

- Quiero estar ausente antes de que me vaya y espero aún que a ustedes les quede toda la felicidad. La vida no se compone de entusiasmos pasajeros ni de desgracias existenciales, es un olvido de indiferencia; estas palabras no son claras.

1985

- Hacer de un cuadro un drama.

- “LAS MONTAÑAS”; este es un punto confuso, que las cosas y los objetos se reencuentran con uno según los haya descubierto antes y la asociación de memoria con otras cosas. Los ángulos, los giros, las oposiciones de luz y sombra están en un punto subyacente y estas son las cosas que ayudan a componer una pintura. Transmitir hacia el centro y origen para sacar al contemplador del lugar donde “está”.

- Yo lo que deseo es hacer fotografías que consisten para mí en imágenes de un instante en la vida, para el recuerdo registrado con profundidad visual e intelectual y que tiene influencia en nuestra psiquis.

15 Abril, 1989

- Campo de Santa Helena –unas montañas bellisímas, árboles altos y frondosos- hace bruma, sale un sol –color del cielo azul; la gente del campo, una bondad y ausencia en sus rostros… El paisaje es silencioso, la naturaleza y sus fenómenos; cuando contemplo el suceder de la noche y el día, los días luminosos y grises, da la sensación de que las cosas pasan porque existe también un gran espíritu que ha creado todo con amor indescriptible. De pronto también sucede nada.

- El arte soy yo, la manera como sublimo mi deseo y las emociones de adolescencia que se afincaron en mi pensamiento y sangre. Esa sutil máquina de grabación que somos, allí se va creando nuestra alma, nuestro modo de ser. ¡Que grandes maestros del pensamiento y la espiritualidad he conocido! Saber esto es un incentivo para mi felicidad. Quiero más dinero para trabajar mejor, independientemente.

- El fenómeno de la expansión espiritual del ser de uno, en medio de la naturaleza, un desdoblamiento de mis pensamientos habituales para ver cosas nuevas pero sin pensamientos; cosas que son.

- Va en buen camino la realización técnica de la pintura que estoy haciendo –COLLAGE-, sobre el “ENCUENTRO CON LOS AMIGOS AUSENTES”, que es una de las ideas plásticas m{as metafísicas que me han nacido. Aquí ha triunfado la poesía.

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LOS "COLLAGES" DE SERGIO GONZÁLEZ

Por: Ramiro Ramírez: Psicoanalista Escuela Freudiana de París

Hay técnicas que necesitan cierto decantamiento para luego comenzar su producción propiamente dicha; hay otras en las cuales el manejo técnico, si bien es necesario, no demandan la finura y recato de las primera pero que, si solicitan una atención y una imaginación por no decir fabulación que permitirán al artista la producción plástica. Ese es el caso de los "Collages", en dónde se mezclan técnicas que no necesariamente su acabado sea el mejor pues, ésta forma de expresión sugiere más de lo que la misma técnica puede mostrar. Dígamelo corto y rápido, se trata de sobreponer una serie de efectos en superficies de tal manera que se crea un espacio que precisamente, el artista construye el "Collage", no ha fabricado en su totalidad pero que si es un espacio que solo él construye, que sólo él hace, de ahí el carácter artístico de su creación. Algo contradictorio pero creativo.

La construcción de éste nuevo espacio se hace con la ayuda de materiales diversos y recortes de obras de otros artistas que por CUALQUIER MOTIVO llaman la atención de quien hace el "Collage"; pero éste CUALQUIER MOTIVO es lo que marca, sella y garantiza la originalidad del artista pues, en la selección de los diversos recortes, colores y demás objetos utilizados está la COSIDAD de la COSA que va a producir.

Sergio González nos muestra una serie de "Collages" en donde la construcción del espacio, vacío, profundidad, hueco, volumen, planitud, es posible por su atrevimiento en la selección de los recortes que debe superponer, colocar a, ó en esa superficie que él ha alimentado o termina por alimentar para reencontrar una nueva que ya es algo más y por ello se llama: UN NUEVO ESPACIO.

No es gratuito que, en la confección de sus "Collages", Sergio González se haya servido de una serie de esculturas y pinturas que son obras maestras de la plástica universal; lo mismo sucede con lo oriental y occidental en la obra con lo que nos muestra lo infinito de la obra de arte. Igualmente sucede con la temática religiosa por él utilizada frente a lo anodino y lo sexual de su obra. Hay una cierta sensualidad en lo simple como en lo complejo de Sergio González. Sensualidad que no escapa al artista en los cuerpos de las figuras, sino que él sabe concentrar en ciertos pliegues, en ciertos ángulos, en ciertas miradas, en ciertas sonrisas, en cierto objeto y en los contrastes de sus fondos azules, negros, violetas; y aquí lo que aparece anodino toma una nueva dimensión para mezclarse con lo sensual y religioso; por medio de sus "Collages" Sergio González nos reconstruye, nos crea y recrea el espacio, el mundo de los seres parlantes, de los seres que sufrimos por tener lenguaje; el mundo de los seres que buscan el goce y sólo logran alcanzarlo a medias; y es a medias que la obra de arte alcanza su SENTIDO, de ahí que necesitemos a diario nuevos artistas.

Medellín, Agosto 1982

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SERGIO GONZALEZ O EL IDEAL DE LA BELLEZA

Por: Oscar González

Parece que en su obra sensible y mental, Sergio González ha alcanzado lenta y sutilmente a resolver con inusitada y fascinante plenitud, dando muestras de un sorprendente conocimiento y de una experiencia transformada en una búsqueda intensa e incesante, el problema esencial que plantea cualquier aproximación al laberinto de Dédalo del arte y a la irresoluble quizá condición del ser artista o considerarse a sí mismo como artista, y al hecho de exponer una posición estética desde allí y llevarla o traducirla en su obra. Y es que su obra proviene de una concepción formada por él mismo de lo que es para el arte y que poco tiene que ver con principios y estilos que de una cierta manera se imponen e implantan en nuestro medio como la verdad del hecho artístico y son “imitadas” hasta el extremo de borrarse por sí mismas.

Él busca y desea hallar un equilibrio y una medida entre lo que se ha llamado “historia del arte” hasta lo que su mirada excava y explora allí para hacernosolo visible y real, concibiendo ese real como el vacío absoluto, para poder iniciar de nuevo un trayecto de acercamiento, para decirlo casi que con él, de la revelación de la ausencia y de la presencia. Un mediodía decidió hablarme sobre “su” arte y sus cosas que de él eran desconocidas e impenetrables para nosotros. Quizá su obsesión por el arte renacentista es lo que lo ha servido de vehículo para también abordar el llamado “arte moderno” y poder hallar par sí un “punto de unión” entre della Francesca y Ucello, con Mondrian y Delvaux. Esto es lo que esa tarde hablamos y nos habló:

¿En el momento en que Usted decide a hacer del collage una forma más de abordar el arte, se apoya en esta técnica moderna como un medio o como un fin?

Cuando comenzé a pintar hallé por fortuna un medio técnico que me ha permitido llevar al arte lo que he querido expresar de mi vida, y sin duda, hasta un punto satisfactorio. Mi encuentro con el collage fue un azar completo, por la misma actitud creadora que me mueve. Además me dió mucha libertad para pintar lo que he querido. En el arte como es sabido las técnicas son siempre medios, puesto que los “fines” no existen.

Realizar una relación y a la vez una excursión por el collage se da en Usted como resultado de una racionalización de lo que buscaba o más bien se presenta como la proyección del orden de la intuición crítica?

Una tarde se me ocurrió colocar sobre una pintura que había hecho, que representaba una manzana sobre un pretil, una bella imagen del condotiero Federico de Montefeltro por Piero della Francesca. Exactamente en ese momento tuve una captación altamente poética, que me agradó mucho a nivel visual y de pensamiento. Viví un juego mágico, por los desfases de tiempo y espacio. Y sentí que había atrapado el agua entre los dedos; tanto que aquello me lleno y yo pude expresar toda mi fantasía con toda la pintura del Renacimiento, que me impresionó muchisimo desde mi adolescencia. Me sentí como un mago que hubiese fusionado los espíritus de tiempos pretéritos con mi mundo contemporáneo, pues nunca he sido aferrado al concepto de arte moderno.

¿Es evidente que su técnica, en el sentido de téchne, se apoya profundamente en el Renacimiento, y el intento que Usted hace es el de relacionar ese movimiento con el arte moderno?

Soy un hombre que cree que entre la vida como una entidad trágica el pensamiento no existe ninguna dicotomía. El juego entre lo ausente y lo presente. Aquella certeza de que no he estado aquí únicamente y el hecho de que mi espíritu pueda elevarse sin ningún tiempo, más allá o más acá. La inmanencia del espíritu propio y de los otros espíritus.

¿Existe quizá lo bello en su obra como una realidad demasiado fácil y efectista. Busca conscientemente que lo bello en sí mísmo se manifieste, se exprese?

Lo bello no es la apariencia retiniana, es la total fatalidad de la vida. No creo en los detalles bonitos. El acto creador es en sí mismo bello. No quiero profundizar ni filosofar mucho sobre lo que sea o no sea la belleza, puesto que yo nunca he visto cosas feas, es decir, que en mí no existe lo opuesto a la belleza. No es fácil tampoco acceder a ella. Como en mí obra “Para los amigos ausentes” en la que la belleza de la obra esta dada por los seres humanos y el vacío. Ese fondo negro, es la infinitud. El yo saber esto es una idea que me causa pleno regocijo.

¿No son tal vez los títulos de sus obras: “Mar de mañana”, “El éxtasis del fauno”, etc. demasiado literarios. Cree que o no un obstáculo entre la literatura y la pintura. O en su obra el vaso comunicante que las funde en una es la poesía?

Los títulos de las obras siempre han precedido mi pintura. Literalmente no hago un proyecto pictórico. Podría afirmar que la poesía hace una alta síntesis de todas mis impresiones, ya sean estas: visuales, auditivas y táctiles, en el momento de hacer la obra. Los títulos también tienen su propio rango en sí mismos. Es lo que he querido expresar en mi obra: “El don raro de una hora”.

¿De cierta manera sentimos y experimentamos al observar su obra que la música se filtra como una fuerza absolutamente necesaria y lo erótico es muy concentrado, en qué medida?

La música ha sido fuertemente inspiradora en mi vida. Yo creo en la inspiración y en la rebelde expresión del espíritu. También pinto porque soy músico, aunque no domino los códigos plásticos de la música. He cantado y me gusta cantar. Y lo que ha enriquecido mi contemporaneidad, no es lo plástico y lo visual, sino más bien la música. Existe una renacimiento musical: en grupos como “Yes”, “Emerson, Lake and Palmer”, y la extraordinaria música de los “Beatles”, que ya no le es extraña a nadie. Y además, un músico al que admiro mucho, Bela Bartok. El erotismo siempre ha estado presente en mi vida. Mi arte quiere remitir siempre al erotismo y a la muerte: a aquel deseo de hacernos eternos. La intensidad de la piel, el placer de vivir… Pienso que toda la creación es un gran acto erótico de un dios que está continuamente autocomplacido en sí mismo. No soy de los que han separado el cuerpo del espíritu: no soy un asceta ni un filósofo. Soy un hombre perfectamente constituido física y espiritualmente. Creo que el arte lo hace los seres sanos, no es un producto de alienados y resentidos, que es de lo que más hay en este mundo. Si alguien se considera artista y no ha hecho, su Obra de Arte entre los diez y ocho y los veinticinco años de edad, no la hará nunca porque esto tiene ver íntimamente con el fuego solar y el arte que es exactamente la vida, nace aquí. En esta época de nuestra vida las fuerzas mágicas están en su plena potencia. Lo demás son intentos. Hay artistas que se pasan toda una vida intentando, a otros les sale una vez, a otros siempre y nadie sabe por qué. Es una tragedia magnífica y así es la vida. Lo único importante en este caso es no dejar que los miserables te chupen la sangre.

¿Retornando un poco a lo que hablábamos hace uno momento, unos títulos de tus obras como “The Lamia”, “Fragmentos a su imán” y “Casa musical” en que medida existe un nexo con los textos de Keats, Lezama Lima y Michaux?

Yo creo que “Fragmentos a su imán” de Lezama Lima, es algo que se inscribe dentro de lo que es la intuición absoluta: dominio de los espacios esótericos. En este caso particular, leí el texto después de realizada la obra. El título del texto para mí era verdaderamente una obra pictórica. No necesitaba saber nada más. Nunca nada de eso está dentro de las coincidencias o casualidades, aunque quizá sean lógicas. Yo aún hoy desconozco el poema de Keats. Este título “The Lamia” si sé que existe es porque conozco y he escuchado una canción del grupo musical “Génesis”, en un trabajo de 1974. La música de “Génesis” es extraordinariamente surreal. Soy un buen lector y he tenido la fortuna de leer textos siempre muy bellos. No he leído nunca nada que sea innecesario. Lo poético debe estar en todo artista que se exprese. Cuando yo hice “La Casa Musical” descubrí que Michaux estaba en esta misma dimensión. Tampoco conocía su texto antes de hacer el cuadro. Y por lo mismo, mi arte también estaba en la dimensión de Michaux.

No se sí tu “estilo” que más bien nos relaciona con una postura estética, no se le convierte en una cadena que lo limita sino una punto de lanzamiento hacia la aventura interminable e inacabable?.

El estilo es algo que tiene que ver con el ser de uno. Un verdadero artista nunca busca su estilo, porque ya lo tiene. El estilo es algo mediúnico, es como un sello característico. A los artistas no los hace el medio o la academia porque cuando se es ya todo desde el comienzo esta allí. Yo nunca me he preguntado eso: no he querido nada más que parecerme a mì mismo. Y lo que no está en mí, es porque no existe. Creo totalmente en la originalidad, ya que ella es uno mismo. Originalidad como la del Bosco, Böcklin o Moreau. Uno no pierde lo que ha creído tener. Si no se es original, se esta perdido, no se tiene un camino. Hay muchos hombres y mujeres que pintan y escriben, que componen música y en medio de eso, lo verdadero brilla con mucha fuerza.

¿Ya la modernidad -profesores y críticos- decidieron establecer que el artista debe ir la Universidad o al Taller de arte para adquirir unos conocimientos y obtener una formación. Cómo es la percepción y de que naturaleza es su experiencia en este sentido?

Es importante la educación que pueda proporcionar la academia como conocimiento, y a veces es grata también. Supongo que esto no ha de causar muchos trastornos a los espíritus superiores, pues es obvio, que la creación del arte no tiene nada que ver con aquello. Los que estudiamos y nuestros profesores creo que cumplimos de la mejor manera posible con las buenas intenciones. Se pretende formar artistas porque hay personas moldeables. La antiacademia no existirá nunca mientras haya dirección, profesores, etc. De esa manera existirán siempre coerciones. Se necesita de una inteligencia acuática para vivir felizmente en medio todas estas imposiciones inevitables y que no tienen ninguna importancia.

¿Yo intuyo que frente a la película “Salo” de Passolini, debió haber experimentado una emoción muy suya, en la medida en que Passolini hace una combinación pintura-cine muy interesante. Que carácter adquiere el cine en su pintura?

El cine es la pintura en movimiento, es decir, como la vida inmediatamente dinámica. He visto el cine como algo que involucra de manera muy vívida la realidad cotidiana, con todas sus implicaciones; donde no se podría ya disimular. Como en “Salo” que hay una escena en donde cae al piso una bella mujer decapitada, de un panel antiguo, que contiene a la Madonna de Foligno de Rafael. Es una aproximación a la vida misma puesta aquí al desnudo. La muerte bella como una tragedia. Para hacer cine hay que ser un verdadero artista, en el que el sentido de la vista, tendría que estar jerarquizado, sin reticencias. Yo después de pintar haría cine. Allí la expresión fatal y poética de la vida ha llegado al punto álgido, porque con el cine se puede hacer obras de arte indigeribles.

¿Que artistas de nuestro medio han contribuido a fortalecer su formación, y han fascinado y estimulado fascinaron su sensibilidad. Por qué?

El orden aquí no importa. Mencionaré a Obregón porque en primera instancia su obra habla sola. No se requiere conocer su trayectoria para saber que obra es de él. En su mundo existe una magia solar. Además su obra me comunica un placer visual muy intenso. Manzur y su mundo de mitómano. En él he descubierto un juego de antiadualidades: tiempo y espacio. Observo que en su obra eso queda disuelto. Y la cuestión religioso-erótica que me ha atraído mucho. Gregorio Cuartas: lo que más me ha atraído de él, es su verdadero silencio, y particularmente el de su obra “La Piedad ”. Una obra llena de misterio y de un dominio técnico soberbio, como en los grandes maestros. Una extraña inquietud subyace en su pintura. Sus imágenes figurativas que se me hacen totalmente abstractas y por esa razón más trágicas… Ah, y Luis Caballero, genio incomparable y avasallador. En la escultura me atrae la obra de Germán Botero, es el único escultor cuya obra me produce una viva emoción.

Qué pintores del Renacimiento esencialmente se proyectan en el espacio de su obra y cuáles son los que hacen trayecto por sus obsesiones?

Las obra del pintor flamenco Hugo van Der Goes; su obra es patética, una autoconfesión. Ese hombre trágico que tenía mucha fé y la perdió. Mantegna, porque en su pintura está la gran poesía. Su búsqueda de un rigorismo único, me hace llamarlo: el maestro perfecto o el solemne maestro. Me gusta de él su transparencia, o sea su razón de genio. Y Rafael, por su arte sin lucha. Desde que nació empezó a hacer su arte y fue amado por él. En él se dio el sentido absoluto de lo armónico: armonía entre la fatalidad y lo bello, y la magia de su vida misma. Y el para mí inolvidable: Giorgione de Castelfranco.

¿Y en esa misma tensión e inquietud qué artistas modernos, lo atraen y excitan más, y por qué?

La pintura impresionista nunca me impresionó demasiado, por su insistencia en lo superficial. Aquí se podría hablar de lo que es bonito: excepción hecha de Seurat, genio solitario y gran artista. El arte de los maestros del Romanticismo como Delacroix y Géricault, que me atraen por su drama. La extraña pintura de Böcklin y el genio fulgurante de Blake -no sé si usted lo considera moderno ó no, para mí lo es- y de Moreau, de los que nada tendría que decir, sino que me extasío ante el misterio que encuentro en su arte. Duchamp que me recuerda el no olvidar la inteligencia, ese fenómeno fluido que nunca podrá definirse, en el arte. El arte es una idea del hombre. El arte no es la obra material, no se queda en eso, va más allá. Yo no se exactamente a donde. También Delaunay y su cubismo órfico, el Neoplasticismo de Mondrian y Rothko. Todos ellos porque están dentro de una tradición del arte Única, en el sentido de la imaginación, de la rebeldía y de la libertad. Y sin duda, Balthus y Delvaux, del que me atrae esa fe en sí mísmo. Delvaux es de aquellos pintores de los cuáles los críticos dicen que hace siempre lo mismo. Delvaux es un hombre que no progresa, sino que más bien regresa.

El Imaginario. El Mundo. Medellín. 2001. Págs. 6-7.

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SERGIO LUIS GONZÁLEZ HERNÁNDEZ.

14 AGOSTO DE 1955, ZARAGOZA (Ant.) - 26 JULIO DE 1990. MEDELLÍN.

ESTUDIOS REALIZADOS:

Dibujo. Instituto de Bellas Artes, Medellín,1978.

Maestro en Artes Plásticas, Universidad Nacional, sede Medellín, 1989.

EXPOSICIONES INDIVIDUALES:

1982. Collages. Biblioteca Central, Universidad de Medellín.

Collages. Biblioteca Central, Universidad de Antioquia.

1986. Collages. Sala de Exposiciones de la Beneficencia de Antioquia.

EXPOSICIONES COLECTIVAS:

1976. Salón Regional de Arte Visuales. Biblioteca Pública Piloto, Medellín.

1978. Salón Regional de Artes Visuales. Biblioteca Pública Piloto, Medellín.

1981. 1er. Salón Arturo y Rebeca Rabinovich. Museo de Arte Moderno, Medellín.

1982. Medellín en el Museo de Arte Moderno. Museo de Arte Moderno, Medellín.

1983. IIIer. Salón Viven y Trabajan en Medellín. Suramericana de Seguros, Medellín.

1986. VI. Salón Viven y Trabajan en Medellín. Suramericana de Seguros, Medellín.

1987. XVIII Salón de Arte Joven. Museo de Antioquia, Medellín.

1989. PREMIOS. UNIVERSIDAD NACIONAL DE COLOMBIA, Medellín. Centro Colombo Americano.

PREMIOS OBTENIDOS:

1987. Comercial Irotama. XVIII Salón de Arte Joven. Museo de Antioquia.